Autoportrait, 1920

Nous vous invitons, ce samedi 13 février à 12 h, au coup de cœur de Gérald Purnelle, maître de conférences à l’Université de Liège, et de Thierry Gillyboeuf, traducteur, pour l’œuvre du poète américain Edward Estlin Cummings (1894-1962).

Edward Estlin Cummings (1894-1962) compte parmi les plus grands poètes américains du 20ème siècle. Imprégné de culture classique, mais résolument moderniste, il fait figure de pionnier de l’avant-garde et de l’exploration formelle, à travers un travail qui reste audacieux et original, et qui porte sur le vers et la syntaxe, le découpage des mots, la lettre, la ponctuation, la disposition du texte sur la page. Toute l’écriture de Cummings tend à concilier l’invention de ressources neuves avec les fins et les moyens hérités de la poésie. Loin d’être purement ludique, cette pratique formaliste spectaculaire, qui fait sa marque de fabrique immédiatement reconnaissable, est au service d’une poétique entièrement lyrique, c’est-à-dire expressive. Elle réclame, au-delà de ce qu’elle montre, que l’on s’intéresse à ce qu’elle dit et fait.

La rencontre avec son traducteur Thierry Gillybœuf permettra d’explorer l’œuvre riche et abondante de Cummings, mais aussi d’aborder la difficulté de traduire une telle poésie.

La Librairie Quartiers Latins

14, Place des Martyrs

1000 Bruxelles

tel : 02 227 34 00 email : quartiers.latins@cfc-editions.be

Pour plus d’informations concernant cette rencontre : www.cfc-editions.be

Mon maître Gustav René Hocke, dont les études sur le maniérisme firent époque, aimait répéter la réponse du Greco (1541-1614) à un visiteur s'étonnant de le surprendre à peindre dans l'obscurité: “L’éclat du jour nuirait à ma lumière intérieure”.

Il s'agit d'un faux littéraire, mais combien plus éloquent que le témoignage des “tristes pépins de la réalité”...

Soulignant que la biographie d'Oscar Wilde par Frank Harris est sujette à caution et que son témoignage relève le plus souvent de la plus haute fantaisie, George Bernard Shaw s'empressait d'y ajouter que c'était là pourtant le portait le plus fidèle et véridique, c'est-à-dire celui qui correspond le plus étroitement à la nature profonde du personnage.

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Dans le cadre de la Présidence espagnole de l'Union Européenne, le Palais des Beaux-Arts présentera du 4 février au 9 mai 2010 une sélection unique de tableaux marquants du Greco.

Considéré comme l’un des peintres fondateurs de l’École espagnole, Le Greco n’a pourtant pas toujours joui de ce statut souverain. Lorsqu’il meurt à Tolède en 1614, l’Europe se prend de passion pour le caravagisme, style naturaliste et en vogue aux antipodes de son génie maniériste. Très vite, son œuvre passe de mode, traversant les siècles dans un relatif oubli. Jusqu’à ce qu’en 1908, l’historien de l’art Manuel Bartolomé Cossío lui consacre une monographie fondamentale. L’engouement pour Le Greco est immédiat. Collectionneur d’art averti, le marquis de la Vega-Inclán érige même à Tolède en 1910 un musée à sa gloire. De sorte que la renommée du peintre s’enfle aussi vite qu’elle ne s’était éteinte. En plus de retracer le rôle essentiel joué par les acteurs de cette redécouverte spectaculaire, l’exposition livre un aperçu captivant de l’évolution artistique du peintre, à travers une sélection unique de tableaux marquants, dont l’étourdissant Le Christ dépouillé de ses vêtements ou les remarquables Les larmes de saint Pierre.

Le Christ dépouillé de ses vêtements

Point d’orgue du parcours : l’ultime série d’Apôtres laissée par Le Greco, véritable testament pictural du maître. Une série complète d’une étonnante modernité, aux formes totalement libérées, aux éclats de couleurs extraordinaires, qui après le Palais des Beaux-Arts retrouvera le «Museo de El Greco» de Tolède pour ne plus jamais en sortir...

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Dans La joueuse d'Ocarina (1947), Paul Neuhuys constate:

Après la mosaïque des byzantins et la géométrie d’Ucello

les primevères hyperesthésiées de Botticelli

conduisent aux mortelles déliquescences du Greco.

Dans ses Mémoires à dada (1996) Paul Neuhuys fera état du taedium vitae, de “cette élégante lassitude morale” qu'on retrouve chez Domínikos Theotokópoulos, dit le Greco.

Luis de Góngora (1561-1627, à qui Neuhuys consacra quelques pages mémorables) écrivit un Tombeau de Domenico Greco, excellent peintre.

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Quant à moi, je suis convaincu qu'il convient de situer cette “élégance” du maître maniériste, dont l'influence sur l'art moderne est incontestable, dans l'éclairage intérieur d'une spiritualité mystique.

Henri-Floris JESPERS

Commissaires de l'exposition: Ana Carmen Lavín Berdonces & José Redondo Cuesta.

Scénographie: Óscar Mariné.

Palais des Beaux-Arts, 23 rue Ravenstein, 1000 Bruxelles. Entrée: rue Royale 10.

Du 4 février au 9 mai 2010.

Du mardi au dimanche, de 10 à 18 h. Le jeudi: de 10 à 21 h.

Info: www.bozar.be

Art poétique

On ne fait plus de largesses aux poètes

Ils cassent des pierres au lieu d’enfiler des perles

L’avion part d’un éclat de rire

Tout pour les uns, rien pour les autres

Spectacle révoltant

La poésie?

C’est un article si peu demandé

Paul NEUHUYS

(L'Arbre de Noël, Anvers, Lumière, 1927)

Art poétique

Cent fois, j'ai déposé mon crayon sur la table,

et cent fois remisé mon cochon à l'étable,

pour que passe en mes vers un souffle délectable.

O poète local, ô poète vocal,

On dira que tes jeux de style sont factices

que de plaire en parole et d'aimer en peinture

fut ta seule façon de goûter la nature.

Château de cartes, Pont des Soupirs, Boîte à Malices,

que le temps balaiera un si frêle édifice.

Mais l'art des vers est, comme l'amour, disparate.

C'est à vouloir viser trop haut que l'on se rate.

Paul NEUHUYS,

(La Fontaine de jouvence, Anvers, Ça Ira, 1936)

Art poétique

La poésie est l'art des mots

l'art adorable de Sapho

où brîle une flamme invisible

d'autant plus douce à découvrir

pat quelques élus du hasard

dans un pays sans fond ni rives.

Paul NEUHUYS

(Les Archives du Prieuré, Anvers, Ça Ira, 1954)

Improvisation

Tonnelles et charmilles

Faut-il mouiller les ailes de Séville

les palataliser ou les denteler?

Si le jerk flageole des guibolles

le slow tricote des rotules

Aller vers l'impalpable et le surnaturel

Gyroscope ésotérique de la créativité

Pour éviter

le style canonique et la correction pimbêche

recourir aux milles facettes des mots en liberté

Improviser    c'est puiser à pleines mains

dans le panier à provisions

Les mots tirés au hasard hors d'un chapeau claque

Coquecigrue et coquelourde sont des vocables

irrévocablement équivoques

Je ne sache pas que

le boulier compteur

se donne en spectacle

à l'ordinateur

Œdipe œdème se prononce comme edelweiss

bésicles de béryl se contractent dans bril

   Comme eût dit Montaigne

Saperdeboere Sabre de bois

    le gascon y parviendra

si le français n'y peut suffire

Paul NEUHUYS

(L'Agenda d'Agénor, Anvers, Ça Ira, 1984)

Le musée Félix De Boeck, rebaptisé « FeliXart Museum » est désormais un passage obligé pour toute personne s’intéressant à l’avant-garde littéraire et artistique en Belgique. Félix De Boeck (1898-1995) est un peintre qui s’est surtout fait connaître en tant que membre de la première génération des modernistes en Belgique, partisans de la « zuivere beelding » (plastique pure inspirée par « De Stijl »). C’est le cercle « Doe stil voort » en 1918 qui lui fait découvrir le futurisme et ensuite l’abstraction en y rencontrant entre autre Prosper de Troyer, Jozef Peeters, Edouard Van Dooren, Victor Servranckx, Jan Cockx, Albert Daenens.

Ce musée dormait dans les greniers de la maison communale de Drogenbos, il a fallu attendre 2005, pour qu'il soit reconnu officiellement par la Communauté Flamande, et 2007 pour qu'un tout nouveau bâtiment moderne de trois plate-formes l'abrite, et enfin l’arrivée de son nouveau directeur Sergio Servellón pour qu'il devienne la véritable institution qui fonctionne aujourd'hui. Outre l’exposition permanente des œuvres de Félix De Boeck, cinq expositions temporaires ont déjà été organisées, souvent avec le concours de la Verbeke Foundation et de sa prestigieuse collection: Karel Maes, l’Équerre, Appell, le cube au carré, Maurice Carlier. L’Équerre est encore visible actuellement car il s’agit d’un « work in progress », à savoir la reconstitution fidèle d’un stand construit par Victor Bourgeois, pour la revue 7 Arts et la maison d’édition L’Équerre, lors du salon des arts belges d’esprit nouveau organisé au palais d’Egmont par La Lanterne Sourde (décembre 1923). Le visiteur pouvait y admirer les œuvres de Felix De Boeck, Pierre-Louis Flouquet, Jozef Peeters, Karel Maes et Victor Servranckx.

La dernière exposition temporaire, prolongée jusqu’au 4 avril 2010, est consacrée au travail de l’artiste multiforme Maurice Carlier (1894-1976). Après des études d’architecture à l’école S^t Luc, et d’arts plastiques à l’Académie de Bruxelles et de Saint-Josse-ten-Noode, il s’oriente vers une carrière d’architecte en suivant des stages chez Alfred Van Huffel (1877-1935) et Victor Creten (1878-1966). Les deux premières salles nous font découvrir ses aquarelles des ruines de Nieuport (février 1919), ses meubles modernes pour l’Exposition internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes de Paris (1925) et ce qu'il fit pour Madame Van Dooren, directrice de la Maison Fortiter / Armel (1926-1931). S’y côtoient en outre ses peintures expressionnistes, ses dessins de nus et ses sculptures stylisées d’avant-guerre.

En descendant l’escalier nous découvrons un autre monde, proche des délires modernistes de l’Expo 58 pour laquelle Carlier avait réalisé des sculptures en 1955-56 mais que la commission artistique ne retint pas. Pour consoler l’artiste évincé elle lui confia en juillet 1957 deux sculptures (L’Eté, L’Hiver) destinée à un jardin dessiné par René Pechère (1908-2002).

Les autres murs nous rappellent les recherches scientifiques de l’artiste sur les rapports entre l’objet (sculpture, architecture, bas-relief) et la lumière, qui avaient été exposées au Palais des Beaux-Arts en 1948. Ce sont des photographies qui mettent en évidence la variété de formes et de grisés qu’on peut obtenir sur des bas-reliefs selon la façon de les éclairer.

Fin 1949, Carlier crée une machine solaire  qui permet de reproduire les variations de l’éclairage d’une sculpture par le soleil. Cette machine fut offerte à l’Institut supérieur d’Archéologie et d’Histoire de l’Art de Louvain-la-Neuve et aboutit à la décharge en 2005. Une salle particulière a été consacrée à ce qu’il en reste.

La période la plus intéressante est, à notre avis, celle que le catalogue appelle « Vie en spirale » (1948-1960) proche des recherches de la forme pure chez Jean Arp (1886-1966). Carlier est passionné par les formes des coquillages, par leur harmonie, par leurs lignes courbées. Il recherche une silhouette idéale pour ses sculptures. Ces recherches débouchent sur des réalisations aux formes enivrantes, d’une simplicité déconcertante où le regard peut facilement se laisser conduire à travers les méandres de ses vagues.

La dernière période « en quête de formes absurdes » (1960-1976) laisse de côté ses idéaux de forme, de lumière, pour se concentrer sur l’assemblage, la confrontation des formes, et la reconstitution personnelle d’objets inspirés par les arts premiers.

Robin de Salle

Sergio SERVELLÓN (éd), Maurice Carlier: licht in beweging, Drogenbos, éd. FeliXart Museum, 2009. (Introduction de Sergio Servellón, traduction française et anglaise, récapitulatif des expositions en fin de catalogue).

FeliXart Museum, Kuikenstraat 6, 1620 Drogenbos

www.felixart.org